青花瓷器起始于唐宋，到了元代，景德镇青花瓷器的制作已经成熟，制作工艺水平已达到历史顶峰。从艺术发展史的角度看，唐代青花瓷从其钴原料从国外进口，加之工艺和制瓷技术不成熟，使得唐代青花瓷一度被认为是其“滥觞期”。而景德镇青花瓷创始于元代，并在这一时期在其技术、工艺方面达到成熟的境地。这一方面得益于青花瓷胎采用了“瓷石+高岭土”的二元配方，烧成温度提高，焙烧过程中的变形率减少。多数器物的胎体也因此厚重，造型厚实饱满。底釉分青白和卵白两种，乳浊感强。元青花瓷之所以在近年来成为各大拍卖场上的宠儿，还在于它开辟了由素瓷向彩瓷过渡的新时代，其富丽雄浑、画风豪放，绘画层次繁多，与中华民族传统的审美情趣大相径庭，实在是中国陶瓷史上的一朵奇葩，同时也使景德镇一跃成为中世纪世界制瓷业的中心。明代永乐、宣德、成化、嘉靖年间和清代康熙、雍正、乾隆朝的青花，以康熙朝的青花最为突出，有莹澈青翠、明亮静丽的艺术效果，因此在明清两代，青花瓷成为中国瓷器生产的主流，备受人们喜爱，成为帝王嫔妃、达官贵人的必备之物。

青花瓷自问世以来一直被上至帝王贵族下至平民百姓所喜爱，古代优质的青花瓷现在民间已非常难寻。它是用含氧化钴的钴矿为原料，在陶瓷坯体上描绘纹饰，再罩上一层透明釉，经高温还原焰一次烧成。现今发现最早的青花瓷标本是唐代的，成熟的青花瓷器出现在元代。元青花的纹饰最大特点是构图丰满，层次多而不乱。明代青花成为瓷器的主流，清康雍乾三朝发展到了顶峰。

据历史文献记载，80年代末西藏出土的宣德斗彩莲池鸳鸯图碗上主要纹饰以青花勾画鸳鸯、莲、水草所需部分，再以釉上填绘红、黄、绿等色。构图疏朗、色彩搭配雅致。外壁沿以青花绘二方连续龙纹，内壁口沿一圈梵文装饰。此碗不仅有较高的艺术观赏性，还有很高的考古研究价值，以及重要的学术发现。成化斗彩将宣德斗彩瓷局部纹饰使用青花勾线，填彩技术进一步发展成整体器物的斗彩装饰、构成了新的陶瓷装饰品种，它既保持了青花清新素雅的特点，又增加了浓艳的釉上颜色，改变了传统青花色单一的局面，画面充满活力、生气。成化斗彩的艺术格调很高，在胎质、色釉、装饰、工艺技法等方面都高出宣德窑，所以成化斗彩成为斗彩发展史上的高峰阶段。成化斗彩专为宫廷赏玩烧制、限制产量，所以相当名贵。明《神宗实录》中记载，“神宗时尚食，御前有成化斗彩鸡缸杯一双，价钱十万”明时价格己值十万，所以收藏价值极高，鸡缸杯取材于生活中平凡一景，母鸡带领小鸡寻觅食物，威武雄壮的公鸡引亢而立，几只小鸡游戏其中，神态可爱，绘画之精巧，值得后人借鉴学习。

清朝康熙、雍正、乾隆三代的官窑都有一些仿成化斗彩的产品，特别是雍正时期已很有把握地烧造出仿成化斗彩，且在质量上超过成化时期，有“明看成化，清看雍正”之说。清三代的斗彩有了长足发展，在釉上绘画有了新的提高，出现了青花斗彩新的表现形式，而且开始用珠明料代替以前的釉下青花勾线，使得成品上的瑕疵减少。青花斗粉彩比传统斗彩更醒目，而且釉上填上玻璃白后更具厚重感，更为娇艳。清三代以后，因国势日衰，斗彩生产开始走下坡路、“豆彩始于康熙、盛于雍正，而式微于乾隆，嘉道以后殆未之见也”斗彩产量减少，制作粗糙，艺术性降低。

随着社会的发展，青花斗彩装饰艺术也进入了多元化时期。出现了一大批风格迥异，表现形式多样，个性张扬的陶瓷艺术家，他们的作品具有很强的包容性和开拓性、使得青花斗彩风格多样，表现技法不断推陈出新、表现形式丰富，可谓百花齐放。

现今青花斗彩将釉上与釉下彩绘相结合、形成了统一的整体。所以它更构成了要素个体的突出。“一件真正完美的艺术品”没有任何一部分比整体更重要。一件好的斗彩装饰品，各构成要素应合理、有序地组合到一起，起到画龙点睛的作用，以整体美作用于人们的审美心理。因此在创作一件斗彩作品时，便应成竹在胸，不仅要考虑釉下构图，而且要将釉上的创作考虑到位，合理的预留出釉上斗彩的位置。当然，不是所有的釉下作品在经高温烧制时都能完美无瑕，当出现像桔皮釉等，这种小小的不足之处便应该以釉上彩绘去遮盖，使整体作品完美。

青花瓷的运用应表现出一种更为“接地气”的特质，与官窑青花相比突出淳朴活泼的特征。

1、浓淡相宜的色彩

青花瓷以白底蓝花为主要特征，瓷面洁白晶莹，青花幽雅苍翠，色泽清新，纹饰优美。尽管只有一青一白两种颜色，却将美发挥到极致。古人曾赞曰：“薄如纸，明如镜，声如磬，白如玉。”在现代，画家吴进良对青花瓷也情有独钟，他笑言：“纵有百媚千红，我独爱这一种”，一语道出怎样的痴迷与神醉。在传统中国哲学看来，青花瓷中的青色体现了春天万物生长时的颜色，即生命之色。《尔雅》中说：“春为青阳，谓万物生也。”青花山水题材呈现出流光溢彩表现在青花分水技法更为突出，中国画讲究墨分五色，青花绘画高手以特制“鸡头笔”，蘸着青花水料，素坯上一挥，墨分五色，浓淡相宜，层次分明，柔和匀称，清新明快，流光溢彩。

2、水墨画般的意境

青花瓷如水墨画般拥有兼收并蓄的绘画意境美。水墨画是中国人文精神中最具代表性的文化遗产之一，画风与中国人的信念息息相关，印证了中国儒家的伦理学，道家的自然观和佛家的禅语等。笔者认为，最高的艺术水平是用最简单的色彩或线条表现了最丰富的内涵，如中国的水墨画，它只用一种颜色却表现了万物和内心，不能不认为是最高的境界。青花同样是用一种颜料表现了世界万物和内心世界。青花瓷白底蓝花，静静伫立，像美丽的仙子，让人感觉到一种生命的激情和律动；它的白，也不是单纯的白，而是白里泛青，犹如玉脂，看似简练却有不动声色的奢华；用色单一却不单调，浓浓淡淡、疏疏密密、有深有浅、有粗有细，于一白一蓝间，幻化出无穷的神奇。可以说每一种青花纹样，都是一幅中国水墨画。

3、形神合一的整体感

何谓形神合一？南齐谢赫在《六法论》中也阐述了这一观点：“应物象形”。南朝唯物主义哲学家范缜更是在他的《神灭论》中将形神做了细解：“形者神之质，神者形之用”。元代文人画家倪云林通过放飞思绪的反思和累积，较早地提出了：“逸笔草草，不求形似，以形写神，形神兼备”这一论述。实际上，这些观点都是通过形象的诉说来寓神似的慰藉。所以，在国画山水创作中要求形愈简，神愈全。形简如筛糠见米，取糟存真；神全，则神入影迹，遗貌取神。

国画山水在青花装饰上的运用，实现了其形神合一的整体感。国画大师李可染以画树林为例阐述山水题材的形神合一：画树林重要的是要把每棵树看成是一个整体，每棵树不能太大，太大了会破坏整体感。画阔叶树时都是用点印，每一个点印不是代表一片叶子，而是代表一簇一簇的叶子，这样表现得含蓄概括，采用横点笔法和墨的变化表现随山势变化的层林，这样就有利于画面的整体和谐。

幽雅青花，神韵山水，只有充分理解了国画山水的神韵所在，才能在陶瓷青花艺术创作中将这种神韵表现得淋漓尽致。“可贵者胆，索要者魂。”在百花争艳的艺术创作空间里，既要更多的胆识进行艺术创新，又要从传统技法上吸取其精髓，运用到自己艺术创作上，寻求新的突破和提升。

青花瓷是陶瓷美术中的一朵奇葩，要使这枝艺术之花立于不败之地，作为一名陶瓷美术工作者必须具备扎实的绘画基础，懂得画山要重，画水要轻，画人物、花鸟、走兽要活的道理。前人论画：有可观、可感、可思之说，实际上说的是要求艺术形象有内涵，有深度。一件好的青花斗彩瓷，表现技法很多，更重要的是要有民族特色、中国画趣、个人画风，好似一篇笔精墨妙的高雅诗篇，一首心旷神怡的青花奏鸣曲。青花斗彩的继承与发展离不开创新，而要在艺术多元化的状况下继续发展下去更要不断地创新和传承，无继承便无创新，有创新而无继承不是真正的创新，青花斗彩的技术可以相传，但技巧却是难以学到的，难以继承的。只有不断总结工艺技巧，创作具有较高艺术价值的斗彩，才能使青花瓷这门艺术发扬光大。

责任编辑：陈莎婷